La Cuentería en Chile
Conformada por narradores, de la Región de Coquimbo, Chile; y por algunos simpatizantes pertenecientes al público que asiste normalmente a los espectáculos y talleres que realiza la agrupación.
Los objetivos de la Agrupación son promover y difundir la narración oral escénica, cuentería o cuenta cuentos. Disciplina que comienza a potenciarse como una nueva expresión de las artes escénicas y como una herramienta pedagógica y terapéutica.
Como somos contadores de cuentos, mitos, leyendas, anécdotas y sucedidos, queremos contarle la siguiente historia: Durante seis años hemos venido realizado el Encuentro Iberoamericano de Cuentería Región Coquimbo. En este tiempo han asistido más de doce países de Iberoamérica y se han realizado aproximadamente 100 presentaciones a las que han asistido un total de 19.000 personas, todo esto con el fin de difundir y promover el arte de la palabra y la recuperación de la tradición oral.
EL ARTE DE LA CALLE
En su participación en el Festival de Viña, los puertorriqueños dieron una verdadera clase de cómo debe ser un referente musical, algo que hoy en Chile no vemos. Calle 13 se sitúa en el mismo lugar que su público, sin miedo a decir lo que piensan. Cuando en Chile los músicos dejen de temer a sus propias canciones, veremos el nacimiento de esos referentes perdidos.
En los autobuses y esquinas de las calles, en los cafés y plazas de la ciudad, los artistas callejeros de Santiago son portadores esenciales de las tradiciones culturales de la ciudad. Algunos interpretan canciones populares conocidas, otroa escriben piezas originales, mientras que el resto explora géneros más contemporáneos como el rap, la percusión africana y la danza. Un nuevo proyecto llamado Santiago Sonoro, el primero en su tipo, realizó un catálogo en línea de esta música, poniéndola a disposición del público y creando así un registro histórico de un segmento de la producción cultural de la ciudad.
Por ahora, Santiago Sonoro trabaja con cerca de 100 artistas de la calle, en una ciudad de 1.500 callejeros, muchos de los cuales se han desempeñado aquí durante décadas.
“Históricamente, la mayoría de los callejeros tocaba música tradicional”, “pero en los años ‘90 empezaron a llegar influencias desde el exterior. Ahora yo diría que alrededor del 30% interpreta canciones tradicionales, el 30% son raperos y el 40% toca otros tipos de música. ”
Etos músicos sirven como un registro cultural de la vida de la ciudad. Algunos callejeros mantienen las formas tradicionales, como la cueca, haciéndola presente en el día a día de Santiago, mientras que otros honran la memoria de los iconos chilenos Violeta Parra y Víctor Jara, figuras clave en el movimiento popular de la década de los ‘60.
Por otra parte, los sonidos de la zampoña y la flauta peruana dan testimonio de la reciente historia de la inmigración en Chile, mientras que los jóvenes raperos riman acerca de las aspiraciones globales del país.
El arte del país, sus festivales, comida, idioma y música, refleja el tipo de gentes que han habitado en el país desde siempre. Éstos incluye a los Nativos Argentinos, los cuales han vivido en el país por miles de años y a los inmigrantes de Europa, del Medio Este, Asia y otras partes de Sudamérica en los últimos 500 años.
Música
En Argentina, la música está siempre presente en las casas y en las calles. Actuaciones musicales son una parte de cada fiesta y celebración.
Hay diferentes tipos de música a lo largo de toda Argentina. La música folklórica mezcla a los Nativos Argentinos y la música española con la música de otro país latino y África.
La música clásica de Europa y el rock de Argentina son también muy populares.
El instrumento más conocido en Argentina es el bandoneón.
El bandoneón es como un acordeón pequeño, solo que en lugar de teclas grandes, tiene botones a ambos lados que se tocan para crear notas.
De todos los tipos de arte en Argentina, el más famoso y conocido es el Tango.
El Tango es un tipo de baile y también un estilo de música. Se inventó en La Boca hace unos 100 años
La historiografía del arte argentino coincide en señalar a la década del '20 como el período en que se produjo la modernización del lenguaje plástico en Argentina. Diversos acontecimientos sostienen esta afirmación: Regresaron a Buenos Aires Emilio Petorutti, el Grupo de París y Alfredo Guttero. Actuaron Xul Solar, los Artistas del Pueblo, el Grupo de la Boca y otras individualidades. Desde distintos ángulos formales e ideológicos -los artistas que regresaron al país conocían el lenguaje de las vanguardias europeas- , se cuestionó el gusto dominante y sus árbitros: los organismos oficiales. Se fundó Amigos del Arte, organismo que brindó espacio a las nuevas tendencias.
Alfredo Guttero fue la figura aglutinante de los jóvenes artistas y se organizó el Nuevo Salón. Para la misma época revistas como Prisma, Martín Fierro, Inicial, Plus Ultra, Claridad y Campana de Palo reflejaron la efervescencia del campo cultural. Convivieron en tensión durante el mismo período obras como las de Fader y Colivadino, portadoras de un lenguaje tradicional, con las de los jóvenes artistas en las que se puede rastrear, con mayor o menor éxito, la modernidad plástica.
Mujeres Indolentes Alfredo Guttero
El graffiti argentino Un importante número de pictografías, elaboradas como “negativo de manos” con la técnica anteriormente mencionada, han sido magníficamente conservadas dentro de la llamada “Cueva de las Manos”, en la patagónica provincia de Santa Cruz y son consideradas las más antiguas obras de arte del actual territorio argentino. Por otro lado, un episodio de mediados del siglo XIX y elevado a la categoría de mito fundacional por la historiografía oficial, adjudica al prócer nacional Domingo Faustino Sarmiento la inscripción de un supuesto “graffiti” sobre una piedra de los Andes mientras huía al exilio. Expresión muy culta, por supuesto, porque fue realizada en idioma francés. Una roca sanjuanina erigida en monumento pretende perpetuar, ahora en letras doradas (!) aquel instante en que el europeizado “Maestro de América” pontificara: “bárbaros, las ideas no se matan”, cometiendo lo que cualquier policía actual podría catalogar como acto de vandalismo turístico sobre el paisaje cordillerano. Una historia verdadera de los graffiti argentinos de aquel momento, posiblemente debería abrevar en los textos de otra difundida práctica política de esa época: los bandos, que cada facción emitía y exhibía dentro del territorio que estuviera ocasionalmente dominando. Estos bandos contenían sintéticas consignas y las amenazas más terribles hacia los circunstanciales enemigos. También por éstas tierras venían circulando, ya desde el siglo XVIII, los denominados “pasquines”, esos carteles artesanales con textos y dibujos considerados subversivos por las autoridades coloniales. Fueron muy notables durante la sublevación de Tupac Amaru y el Virrey Vertiz se sintió en la obligación de prohibirlos desde Buenos Aires para todo el Virreinato del Río de La Plata.
El graffiti brasileño tiene un estilo único que ha ido desarrollando con el pasar de los años, lo que mas me gusta son esos tags que llenan las ventanas de edificios abandonados desde el primer nivel hasta el ultimo, pero los representantes mas famosos del graff de ese país son estos hermanos gemelos, Os Gemeos.
El estilo de sus personajes es bastante original, aunque parecen parientes lejanos de los Simpsons, pero estos con cabezas y cuerpos deformes, ojos pequeños, brazos y piernas largas y delgadas, son unas de las características mas notorias de su trabajo y siempre adaptándolos a su entorno.
Un gran ejemplo de esto son los personajes que pintaron recientemente en Lithuania, donde la vestimenta de los personajes fue pintada acorde al lugar, por si aun no conocen el trabajo de este genial dúo les dejo el enlace a su sitio web y un par de fotos de su ultimo trabajo en tierras extranjeras.
Brasil tiene una única y particularmente rica escena del graffiti, la cual en recientes años se ha ganado una reputación internacional como el lugar para ir por inspiración artística. En el pasado los artistas del graffiti brasileño estuvieron influenciados por las escenas americanas y —en menor grado— europeas, pero era difícil obtener información acerca de lo que estaba pasando fuera del país. Este aislamiento generó nuevos estilos y técnicas, y las restricciones económicas forzaron a los artistas a adaptarse e improvisar. La internet ha dado facilidades a las conexiones brasileñas con el amplio panorama mundial, pero una muy amplia generación de artista del graffiti están ahora emergiendo del Brasil con ideas enteramente frescas, tanto en técnicas como en mensajes. El graffiti brasileño es una celebración de la independencia artística de Brasil. Alrededor del mundo, Brasil mantiene una fascinación de culto. Las personas visten camisetas con la llamativa bandera verde y amarillo de Brasil, no sólo porque ellos aman el football, sino también debido a que ellas se identifican con el país y su cultura. La palabra «Brasil» evoca intoxicantes imágenes y sonidos de la selva lluviosa, los estadiums de football, el sofocante bossa nova y los roncos desfiles de samba. Esta visión idealizada de Brasil es una parte mitológica, pero la realidad es aún más compleja. Brasil es un país compuesto de personas descendientes de indígenas, colonos portugueses, esclavos africanos, y posteriores migraciones de inmigrantes italianos, españoles, alemanes y rusos. La inmigración japonesa comenzó en 1908, y hoy São Paulo tiene el mayor número de personas japonesas fuera de Japón. Brasil tiene la segunda población negra más grande del mundo, habiendo recibido más esclavos africanos que cualquier otro país colonial de mediados del siglo XVI en adelante. Este balance de influencias ha creado una cultura única que reside en la sociedad brasileña y en su expresión artística. Brasil es completamente diferente a cualquier otro lugar en el mundo. Este iguala virtualmente a los Estados Unidos en tamaño y se siente más como un continente que como un país. Su geografía y su naturaleza son también especiales, sin jactarse también de los muchos animales, plantas y frutas diferentes que hacen que Brasil se sienta como otro planeta. Rodeado por la América Latina hispano parlante, Brasil es el único país de Sudamérica que tiene el idioma portugués como su primera lengua. Su mezcla indígena e influencias culturales importadas han creado una riqueza de tradiciones folklóricas únicas en música, narrativa y artesanías.
Arte popular no es un concepto fácil de definir. Parte del arte popular es hecha para vender a coleccionistas. Otras cosas son hechas para uso diario, como es el caso de los juguetes infantiles hechos a mano. Parte del arte popular mexicano ha sido influenciado por los españoles mientras que otra parte esta basada en artes y oficios indígenas. Actualmente, alrededor del 8 por ciento de la población mexicana, muchos de ellos indígenas, ganan su sustento creando y vendiendo formas de arte popular y artesanías. El arte popular generalmente comienza con las ideas creativas de una persona o familia y son adoptadas por otros dentro de la población. Aunque el arte popular se basa en tradiciones compartidas, está en constante cambio, evolucionando hacia nuevas formas. Muchos, aunque no todos los tipos de arte popular mexicana, están cubiertos en estas páginas
Figuras de vendedores
. Tlaquepaque, Jalisco. Estas esculturas son hechas en
moldes, pintadas a mano y representan vendedores de mercado comunes. Desde los años 30, la familia Panduro se ha especializado en este oficio, usando los mismos moldes por generaciones.
Escultura de carreta tirada por bueyes. Indígenas Mixtecas; Arrazola o Martín
Tilcajete, Oaxaca. Las carretas tiradas por bueyes son una visión común en las áreas rurales de México. Este es uno de las primeras formas de tallados en madera de Oaxaca hechos para la venta. El oficio comenzó hacia 1940 con muñecas. Para los años 60, un artista llamado Manuel Jiménez había hecho populares estas tallas. En los años 80 hubo una explosión de talla oaxaqueña en madera de copal, en colores brillantes.
Conjunto de figuras en velorio . Hechas por Timoteo Aguilar; Ocotlán de Morelos,
Oaxaca. Este conjunto de 19 figuras de cerámica pintadas a mano muestra una escena de velorio, un ritual importante en la cultura mexicana. Estas figuras fueron hechas para venta a turistas, y se hicieron populares en la década de los 50. Este estilo fue creado por Doña Isaura Alcántara Díaz. Ella enseñó su estilo a sus cinco hijas, a sus esposos y a tres hermanos.
Desde tiempos antiguos gente de diferentes áreas del mundo ha participado en velorios. Los velorios normalmente tienen lugar la noche anterior al día del entierro. El velorio permite que los amigos y familiares del difunto acepten la muerte de un ser querido. Con frecuencia en los velorios se recitan canciones y oraciones tradicionales y se ofrece comida y bebida. Los velorios pueden variar en duración de una a tres noches.
La cerámica es probablemente la más conocida de las artes populares e México, y una de las más antiguas. La cerámica se encuentra en todas las regiones del país, en diferentes formas y estilos. La cerámica mexicana era tradicionalmente hecha a mano, usando rollos o moldes. Llamada loza de barro, esta arcilla era horneada a baja temperatura. Antes de la llegada de los españoles a México, el cocimiento tenia lugar en hogueras. Los esmaltes minerales, el torno de alfarería y los hornos de apertura superior fueron introducidos por los españoles y a veces son usados en la actualidad.
La loza corriente es decorada de manera simple. Viene en una gama de formas y tamaños. La mayoría de la cerámica esta hecha como recipiente de comida o líquidos. La loza más decorada con frecuencia se usaen ceremonias o en la decoración del hogar. Las vasijas son decoradas con barbotina (capas de arcilla liquida), pigmentos y esmaltes.
Usualmente se fabrican figuras humanas o animales para la venta. Algunas veces, los poblados se especializan en cierto tipo de cerámica. En muchas áreas del país, las mujeres hacen la loza común, y los hombres la decorativa; en otras, la familia entera trabaja unida para hacer cierto tipo de loza.La cerámica, al igual que todas las otras artesanías mexicanas, ha cambiado durante los últimos 100 años. La loza tradicional todavía se fabrica, pero usualmente solo para la venta.
Árbol de la vida (candelabro). El árbol de la vida es una forma popular de arte en México. En forma de árbol, se decora con mucho detalle, con figuras como personas, ramas, flores, frutas, animales y otros temas. Los árboles de la vida por logeneral sostienen velas y con frecuencia son puestos como objetos decorativos en bodas, iglesias, velorios y muchas otras ocasiones especiales
Mercado de cerámica de Pátzcuaro, estado de Michoacán,
INDÍGENAS HUICHOLES.
Los indígenas Huicholes viven en un lugar distante en México, en áreas lejanas de Nayarit y Jalisco. A pesar de las grandes presiones externas, ellos han mantenido muchas de sus creencias y ceremonias tradicionales. Los Huicholes reflejan su sistema de creencias en todo el arte que producen. Muchas de las creencias religiosas están ilustradas bellamente en los cuadros de estambre, también llamados Nearika. Los cuadros de estambre son hechos por los Huicholes para complementar sus ingresos. Para hacer sus cuadros de estambre, los Huicholes cubren cuadros delgados con una mezcla de cera de abejas y resina de pino. Los hilos de lana se pegan a los cuadros. Vasijas de jícara decoradas son otra parte importante del arte creado por los Huicholes. Las jícaras se adornan con cuentas para crear una variedad de símbolos significativos. Las vasijas de jícara decoradas contribuyen en las oraciones de ofrendas a los dioses, aunque también son hechas para la venta.
Talla en madera de Oaxaca
Armadillo. Posiblemente de Arrazola, Oaxaca, circa 1970. Los animales de madera pintados de colores son uno de los principales productos en algunas partes de Oaxaca. Esta pieza puede haber sido hecha por Manuel Jiménez, quien fue responsable por popularizar el arte de la talla en medara en Oaxaca.
Su peso cultural ha sido tal, que desde hace, principalmente, las dos últimas décadas se viene teniendo la impresión de que el grafiti de nuestro tiempo en Europa tiene una gran deuda con las escenas americanas, en especial, con los guetos neoyorquinos. Esto es, parece que de no ser por la irrupción y arraigo del grafiti neoyorquino en las principales ciudades de Europa occidental desde los años 80, nuestros paisajes urbanos adolecerían de una descarnada estética y de una paupérrima creatividad callejera.
Pero, ¿podemos considerar que esta impresión es acertada, tal y cómo parece? O sea, ¿el grafiti contemporáneo en Europa es un fenómeno importado? Esto es, ¿puede afirmarse que en Europa no existían marcos circunstanciales apropiados para la gestación de un graffiti como el Hip Hop Grafiti? Es más, ¿podemos afirmar que frente a un fenómeno del calibre del HHG, no se generaron, generan o generarán propuestas a un mismo nivel en Europa u otros puntos del planeta?
Sin duda, la influencia del grafiti de Nueva York resulta tan vital para entender el desarrollo del grafiti mundial, como la influencia de su escena artística para entender el desarrollo del arte actual en un mundo cada día más globalizado. Nueva York se ha configurado durante el siglo XX cono uno de los centros de producción y renovación cultural determinantes en la cultura occidental, en todos los órdenes, desde la alta cultura hasta la cultura de barrio. Pero, como resulta fácil plantear, éste no es el factor crucial de la eclosión grafitera de los años 80. Las causas no pueden ser tan sencillas y toca a los investigadores escudriñar y acertar a comprender en detalle la dinámica que ha permitido la aparición y la permanencia de este asombroso fenómeno contemporáneo.
Se podría denominar como un factor común en todos los escritores del metro el concepto de competición que existía por la búsqueda de captar la atención de los usuarios del metropolitano así como de los escritores rivales. Esto les llevó a desarrollar nuevos recursos que intentarán impresionar por su originalidad o por su cantidad para resaltar sobre el resto. de esta manera, el grafiti evolucionaría de manera inconsciente en poco tiempo. Tal fue el grado de intervención del grafiti en los vagones que hoy nadie puede relatar la historia del metro neoyorkino sin dedicar un capítulo a sus pintadas.
Una vez más, como recurso narrativo, recurriré a impresiones de sus protagonistas. Qué mejor manera que reflejar los sentimientos de sus autores en un momento determinado, acercándonos a una visión subjetiva del los mismos que nos permita comprender mejor su afán por conseguir nuevas maneras de destacar sobre el resto. Voy a dividir en tres etapas el desarrollo del grafiti en el metro de Nueva York, atendiendo al espíritu y condicionantes del momento.
Se podría denominar como un factor común en todos los escritores del metro el concepto de competición que existía por la búsqueda de captar la atención de los usuarios del metropolitano así como de los escritores rivales. Esto les llevó a desarrollar nuevos recursos que intentarán impresionar por su originalidad o por su cantidad para resaltar sobre el resto. de esta manera, el graffiti evolucionaría de manera inconsciente en poco tiempo. Tal fue el grado de intervención del graffiti en los vagones que hoy nadie puede relatar la historia del metro neoyorkino sin dedicar un capítulo a sus pintadas.
Una vez más, como recurso narrativo, recurriré a impresiones de sus protagonistas. Qué mejor manera que reflejar los sentimientos de sus autores en un momento determinado, acercándonos a una visión subjetiva del los mismos que nos permita comprender mejor su afán por coseguir nuevas maneras de destacar sobre el resto. Voy a dividir en tres etapas el desarrollo del graffiti en el metro de Nueva York, atendiendo al espíritu y condicionantes del momento.
El deseo de toda persona ávida de adquirir conocimiento sobre nuevas culturas es el de viajar, lograr irrumpir dentro expresiones de otredad en las artes plásticas y en la música más representativa de los diferentes países,.
Para ver lograr este cometido y buscar un contacto más cercano y auténtico con la cultura local, sin guías, sin programas cerrados y con toda la flexibilidad del mundo para variar el itinerario en cualquier momento, opto por ser un mochilero más en las carreteras de los diferentes sitios a visitar, sitios que compartiremos con los compañeros del blog.
Estudio que se llevar por América: Nueva York, México, Perú, Brasil y Argentina, estudio exhaustivo de las artes plásticas (pintura, escultura) latinoamericanas tendría que empezar por las numerosas manifestaciones pictóricas, artesanales y esculturales de las culturas indígenas, muchas de las cuales todavía existen y siguen desarrollándose.
Son muy conocidos las joyas arquitectónicas de las culturas Náhuatl, Maya e Inca, así como el tejido incaico y los códices y murales históricos nahuas. Las joyas de orfebrería [goldsmith's trade] muisca (en lo que hoy es Colombia), las molas tejidas por los Cuna de Panamá, las cerámicas de los Chorotegas centroamericanos, las de las culturas amazónicas, y las placas de bronce y cobre de la cultura de Aguada, al noroeste de Argentina, entre muchas otras formas artísticas.
También sería necesario estudiar la abundante producción plástica durante la colonia, desde México hasta el Cono Sur, marcada fundamentalmente por la proliferación barroca, que permitió abarcar la abundancia de símbolos y valores del encuentro entre culturas ocurrido en América. Las catedrales, las estatuas religiosas, los numerosos cuadros de temas religiosos y paisajísticos, presentan fascinantes desarrollos en los que aparecen vestigios de las diferencias culturales marcadas por la población indígena y africana presente y participante en los procesos de producción artística. Sin embargo, el presente vistazo se conforma con ofrecer una somera revisión de los desarrollos artísticos desde fines del siglo XIX.
Artes plásticas: Al tomar auge en el ámbito mundial a principios del siglo veinte, Nueva York comenzó a atraer artistas jóvenes de muchos lugares de los Estados Unidos, el Caribe y América Latina. La ciudad les ofrecía mecenas adinerados, galerías y museos, un floreciente circuito artístico internacional, escuelas de arte y empresas comerciales donde podían ganarse la vida con sus aptitudes artísticas.
Nueva York también arrojaba a sus habitantes al torbellino de la vida moderna. Los artistas que respondieron a sus retos estéticos y prácticos desarrollaron su obra y sus carreras sumándose a la energía creativa de la ciudad. El taller experimental del artista mexicano David Alfaro Siqueiros fue uno de los centros de reunión del arte moderno; otro de ellos fue la New School for Social Research, donde el mexicano José Clemente Orozco y el ecuatoriano Camilo Egas pintaron murales y Egas impartió sus cursos de arte. Pero en cuanto a presentar ante Nueva York y el resto del país el arte y los artistas de las Américas, ningún sitio sobrepasaba al Museum of Modern Art (MoMA), donde Diego Rivera tuvo una exposición personal en 1931.
